domingo, 21 de junio de 2009

sábado, 20 de junio de 2009

"Grey Gardens". Albert and David Maysles. 1975.


Los hermando Maysles nos acercan profundamente a la historia de Ms. Beale y a la de su hija Edith Bouvier Beale. Mujeres que fueron educadas para llevar una vida en la alta sociedad son ahora retratadas en la decadencia total. En una casa en New Hampton, Nueva York, junto a otras mansiones se encuentran viviendo la familia Bouvier, quienes han descuidado su casa así coma a ellas mismas. Un poco antes de ser filmadas fueron advertidas sobre el cuidado de la casa, si no la hacían apta para vivienda las sacarían de ahí.
El caso fue reconocido por la relación que tenían con la primera dama en esa época, Jaqueline Kennedy, el cual fue un perfecto pretexto para hacer un documental.
La descripción de la casa es guiada por las actividades que realizan tanto la madre como la hija, aunque realmente la historia se desarrolla en un solo cuarto, en que pasan la mayor parte del tiempo, una recámara donde duermen y comen, y al parecer pocas veces limpian.
Existe un comedor, el cual solo usan en ocasiones especiales, como en el cumpleaños de la señora Bouvier, donde reciben invitados.
El ático de la casa es habitado por un mapache, al cual periódicamente es alimentado por Edie, por toda la casa se pasean gatos, incontables quienes son alimentados también, lo cual podría parecer extraño debido a la escasez de comida para ellas. Los demás cuartos de la casa están intactos, llenos de antigüedades y recuerdos que con los años se acumularon. En general la casa parece caerse en pedazos.

La relación que logran los hermanos Maysles es casi familiar, al parecer convivieron tanto con ellas que se acercaron lo suficiente para crear un ambiente de confianza, aunque personalmente creo que esta relación se facilitó debido a las condiciones de soledad. Me refiero a que estas dos mujeres necesitaban de alguien con quien compartir sus días, y la llegada de estos dos cineastas les creo un vínculo con el exterior, con una realidad de la que se habían alejado. Ahora tenían a quien contarle sus historias, a quien enseñarle sus fotos, sus canciones, sus bailes.
La cámara no pretende esconderse, incluso ellos son personajes dentro del documental, en algunos momentos podemos verlos reflejados con la intención de aparecer, ellas los nombran continuamente y en sus platicas se dirigen a ellos, en especial Edie a David, con quien parece haber creado un vínculo especial.
Por primera vez en mucho tiempo se sienten reconocidas e importantes.
La madre, al hablar de ella, nos permite saber que esta satisfecha con su vida, que a pesar de lo que ha vivido esta a gusto y feliz en Grey Gardens, donde ha estado por mucho tiempo y no necesita nada mas. Por otro lado Edie, continuamente se queja de la vida que lleva, de haber tenido que regresar a cuidar de su madre, tiene la necesidad de cuidarla y estar en todo momento al pendiente de ella, y espera algún día, poder irse.
Hace retratos muy cercanos de las mujeres, Edie se me hace un personaje muy interesante, desinhibida ante la cámara, baila y canta, nos muestra sus aptitudes y hasta coquetea con ella, o con Davis Maysles.
Las dos dependen de ellas mutuamente y es por eso que continúan ahí. Es un poco triste, pero por momentos podemos ver que son felices estando juntas. Disfruté mucho este documental, y entiendo las razones de porqué ha sido tan aclamado, no solo la excelente forma de filmar de los hermanos Maysles, pero son personajes que logran transmitir un sinfín de sentimientos, y nos permiten acercarnos a lo que viven.


Inicio de Gray Gardens.



Pelicula basada en la historia de Gray Gardens.




"Nobody’s Business". Alan Berliner. 1996.


"He was my sparring partner, my leading man,
The undisputed heavyweight champion of my world."
Alan Berliner


En 1996 Alan Berliner le hace un entrevista a su padre, con el propósito de conocer un poco mas sobre su familia
, de donde provienen, y contar la historia de su padre, Oscar Berliner.

Por medio de esta entrevistas, de fotos, de películas caseras y de entrevistas a otros miembros de la familia es como Berliner nos presenta su documental.
Los videos caseros ayudan a conocer mejor a su familia, a ver su relación y entender algunas de las respuestas del padre en la entrevista. Alan pregunta a su padre sobre sus antepasados cercanos y lejanos, a lo que él contesta no solo indiferente sino molesto, no le interesa saber nada de ellos.
Esto provoca que Alan se dedique a busca por su cuenta archivos relacionados con su familia, incluso acude a Utah me parece donde se encuentra documentos de archivos familiares.
Se enfoca principalmente en los recuerdos, no solo personales del padre, sino de su familia cercana, es un intento por reconocer quien es Alan para él.
A pesar de ser un proyecto personal, Berliner logra atraer al espectador con su actitud y en algunos momentos sus preguntas provocadoras que a veces hacen que comience una discusión, que hasta cierto punto es divertida.
Más que una entrevista es una plática de padre a hijo, y eso nos permite identificarnos.

Lo que mas me gustó fue la parte donde aparece con su nieto, jugando, a pesar de la edad, disfruta estar con el, así como disfrutó estar con sus hijos.
Es evidente que Alan Berliner admira a su padre, como casi todo el mundo lo hace, es por eso que en principio decide filmarlo, lo cree suficientemente interesante, y al final, lo es, pues lo que provoca en el público es precisamente lo que quiere mostrar.
Hace años intenté hablar con mi abuela sobre sus padres ya que muy pocas veces habla de ellos, no tiene hermanos de sangre, pero tiempo después conoció a sus medios hermanos, cada vez que intento tocar el tema lo evade, el padre de Alan me recuerda a ella, molesta por las preguntas sobre sus padres. Al contrario del papá de Alan y a la mamá de mi papá, mi papá lo que mas disfruta es hablar de las anecdotas, de sus recuerdos, de la vida.
Te amo papá Felicidades!




Pagina oficial de Alan Berliner.
http://www.alanberliner.com/

Entrevista con
Alan Berliner.


"Tarnation" Jonathan Caouette. 2003.

Jonathan se dedicó a registrar desde muy pequeño su vida con la cámara que le regalaron sus abuelos, el mundo en el que él vivía.
Jonathan vive una infancia difícil, llena de ausencias, es dado en adopción y adoptado varias veces, es testigo de escenas traumantes, es víctima de maltratos físicos y psicológicos.
Su padre huyó cuando se enteró que su madre estaba embarazada, su mamá fue sometida a un tratamiento con sesiones de electroshock, (luego se comprobó que esa terapia fue la que le causó severos trastornos psiquiátricos) y sus abuelos terminan siendo el único hogar estable en el que Jonathan crece, si se puede llamar estable a algo dentro de la vida de Jonathan.
Lo que uno espera ver con esta infancia llena de traumas es ver a un chico creciendo, que va enojado por la vida, un rebelde, un malandrín convertido en preso, pero al contrario de lo que esperaríamos ver, se nos muestra a un chico noble, lleno de talento, que ha sabido aprovechar los acontecimientos que ha vivido como reflexión para conocerse y para madurar desde muy pequeño.
Jonathan reúne en este documental retratos de las personas que lo hicieron, que lo crearon y que lo formaron para ser la persona que es hoy, sabe aprovechar todo el material con el que cuenta, todos los registros de las diferentes actuaciones que realiza para el solo.
Considera a la cámara como su única amiga, es con la única que puede ser como en realidad es, el único medio por el cual se expresa sin tapujos, el único medio que lo deja ser él mismo, su válvula de escape.

La relación que tiene Jonathan con sus padres es nula, hasta el momento en el que él ya es adolescente, conoce a su padre y acepta a su madre como es y viceversa, Jonathan podría estar decepcionado de sus padres por haberlo abandonado, por darlo en adopción, pero contrario a los pronosticos Jonathan muestra ser una persona noble, dispuesto a perdonar, a amar, a recuperar el tiempo, a aceptar.
Existen momentos incomodos como cuando la mamá de Jonathan se ríe sin parar durante varios minutos con una calabaza en la mano y personalmente cuando veo a un niño de 4 años actuando como una figura femenina, en el que representando a su madre seguramente.
La edición ágil en iMovie es parte fundamental, muestra un documental completo con una infinidad de fotos familiares y con textos impresos en la pantalla que explican distintos acontecimientos importantes de la vida de Jonathan.
El momento que me conmueve y en el que me identifico es cuando Jonathan esta con su madre dormida en un sillón, le dice que la ama, que la necesita y que siempre la ha necesitado.
¿Que tan grande es el amor que podemos sentir hacia nuestros padres y hermanos?
¿Cuanto nos conocemos de nosotros realmente? Personalmente he perdido contacto conmigo misma, la terapia dice que debo aprender a conocerme, cosa que no quiero ya que seguramente viene cargada de cosas que no me gustarán. Me gustaría aprender de Jonathan, conocerme y aceptar las consecuencias buenas y malas.

Tarnation Video.



Otro documental que vi en FICCO 2007 ¨Elle s’apelle Sabine¨, Sandrine Bonnaire, Francia, 2007.
Un documental que retrata la vida de Sabine, mostrando el amor entre hermanas, que tan importante son los hermanos en nuestras vidas.
Trailer ¨Elle s’apelle Sabine¨



“Capturing the Friedmans” Andrew Jarecki. 2003.


Al comienzo de este documental todo lo que veía era felicidad, volví a sentir la nostalgia que generan estos vídeo caseros, todo lo sentía como en la serie de televisión "The Wonder Years".
Todo parece que seremos testigos de las vacaciones familiares de una familia típica estadounidense, o simplemente de la cotidianidad, la realidad en la que se desenvuelven o viven los miembros de una familia.
Arnold el padre, Elaine la madre, David, Seth, y Jesse los hijos.
El documental cambia repentinamente de tono, cuando se va siguiendo la pista de una revista con contenidos de pornografía infantil, el destino final de esta revista esta acompañando de fotografías de pornografía infantil que como consecuencia, llevan a investigar a los habitantes de la casa y a los miembros de la familia, el principal sospechoso el propietario de estas revistas y padre de familia Arnold Friedman, padre de tres hijos, buen vecino, maestro de computación, pianista ejemplar.
Arnold es acusado por varios de sus estudiantes por abuso sexual, junto con su hijo mas grande Jesse. De repente todos los muchachos de Long Island que tomaban clases con Arnold o habían ido a casa de los Friedmans habían sido abusados sexualmente por Arnold y su hijo Jesse, estas acusaciones nunca se comprobaron, sucedieron realmente o simplemente fueron historias inventadas de una comunidad.
Nadie afirma ni niega nada, los acusados se declaran inocentes, las víctimas se victimizan, Elaine la esposa de Arnold, la madre de David, Seth, y Jesse, la mala del cuento solo duda, no afirma ni niega nada contra su esposo, pero cuando su hijo resulta cómplice de Arnold, Elanine hace todo lo posible porque no haya juicio contra su Jesse y no termine en la cárcel.
El resultado del juicio: Arnold es condenado a pasar en prisión entre 10 y 30 años, pero se suicida con sobredosis de antidepresivos dentro de la prisión y Jesse su hijo es acusado de varios delitos también, Jesse es aconsejado por sus abogados para decir al tribunal que él había sido víctima de los abusos de su padre también ya que era la única forma posible para que no fuera a prisión.
Finalmente Jesse fue hallado culpable de 25 delitos sexuales a menores y condenado a una pena de entre 6 y 18 años.

El documental cuenta para su desarrollo con un elemento muy importante las grabaciones familiares en super 8, lo que equivale a tener a su disposición prácticamente la historia filmada de los Friedman, podemos ver escenas verdaderas de como funcionaban como familia, peleas, alegrías y los momentos previos al juicio y encarcelamiento de Jesse, vemos como los hermanos y el padre funcionaban como verdaderos amigos, una pandilla y a la madre Elaine se le excluía, se le veía siempre como la villana, la aguafiestas, David introduce y concluye la cinta afirmando que su padre era genial y su madre una manipuladora.
Las entrevistas que realiza Jarecki a los miembros de esta destruida familia nos retratan aun la angustia, vergüenza e injusticia por la que han vivido, entrevistas que son realizadas muchos años después pero que al parecer el dolor y el trauma siguen presentes con el paso de los años, Seth es el único que no quiere participar en las entrevistas.

"A veces, la justicia estadounidense se mueve más por intereses mediáticos y políticos que por el estricto sentido de igualdad, presunción de inocencia y justicia al que se debe."
Andrew Jarecki.



"Estimado Juez Boblon: Jesse merece cumplir los 18 años de condena. Él abusó de mí y de otros. No quiero verle y no quiero que me vea. Mr. X."

Sitio web de Jesse, en el cual pide que se le haga justicia y que se investiguen detenidamente todos los cargos por los que fue encarcelado.
http://www.freejesse.net/



“Titicut Follies” Frederick Wiseman. 1967.



Titicutt Follies de Frederick Wiseman
(Cuya exhibición estuvo prohibida por un juez durante 22 años.)

"No intervengo en los sujetos de mis películas. Ni he filmado movido por una ideología preconcebida. Cualquiera que hable de la verdad es un ideólogo".
Frederick Wiseman.

Comenzando con un espectáculo un poco tétrico, caras no muy convencidas de lo que hacen o cantan, el único momento donde los internos de este hospital psiquiátrico sonríen.
Pasa en la mayoría de las instituciones, al publico solo se les muestra lo mejor de estas, no se deja ver mas allá, casi nunca sabemos las razones por las que estas personas se encuentran internas, no se deja entrar a lo que que verdaderamente son estas instituciones.
En Titicutt Follies no puedo distinguir la diferencia entre un campo de concentración y este hospital psiquiátrico, entre las autoridades del hospital y los internos, ?quienes son los realmente enfermos?
Wiseman observó la vida que tienen estos "enfermos" dentro del hospital durante veintinueve días, vemos los malos tratos recibidos por los reclusos, la manera en como son tratados, las condiciones en las que viven y el abuso por parte de los guardias que no son conscientes del trato que los reclusos necesitan.

El objetivo de un hospital psiquiátrico es mejorar la salud mental de los enfermos, pero en Bridgewater no es así, aparentemente todos los internos terminan peor de como entraron, vemos a un enfermo diagnosticado con esquizofrenia, el cual asiste al hospital previamente para que se le hagan unas pruebas medicas, el diagnostico final, ser residente de este terrible lugar, como la mayoría de los pacientes, que solo asisten a hacerse algunas pruebas o exámenes médicos.
Son verdaderamente capaces estos doctores de dan un diagnostico objetivo para sus pacientes? al parecer no, aparentemente lo que quieren es un hospital lleno, con personas vulnerables, de las que se pueda abusar.

Hay dos momentos en el documental que para mi fueron demasiado fuertes, uno es cuando un grupo de guardias esta acosando a un recluso en su celda, hacen preguntas insistentes del porque no fue limpio, el paciente parece frustrado porque las respuestas se le acabaron, ha contestado en su sano juicio todas las veces pero al parecer el guardia quiere molestar, retar al paciente para saber hasta que punto puede llegar. El otro momento es cuando se le alimenta a un paciente por medio de un tubo, parece mas bien como una atracción de circo, todos quieren ver como es sometido, como se abusa de el.

Durante todo el documental vemos como estas personas van muriendo en vida, viviendo en las peores condiciones, manteniendolos desnudos para hacerlos parecer mas débiles, necesitados de algo mas allá de la ropa.
Con los acercamientos que hace Wiseman a las autoridades del hospital al momento de cuestionar insistentemente las acciones de los "enfermos", parece que la pregunta viene formulada con maldad o con la finalidad de que los enfermos digan lo que realmente la autoridad quiere escuchar.
En pocos momentos la cámara es simplemente observadora, sobre todo en las tomas fuera de las celdas del hospital, o sea en el jardín de este con el hombre que toca la trompeta. Los internos ven la cámara como un medio de escape, sobre todo el hombre que habla como líder de los enfermos, o el que canta China Town, a las autoridades de este centro medico la cámara parece serles indiferente ya que están haciendo su trabajo, los pacientes pierden cualquier derecho al momento de ingresar a este hospital, Wiseman y los internos se vuelven uno mismo.

Sin duda uno de los documentales mas impactantes que he visto en mi vida.

Les dejo el link de una página en Japonés, como no entiendo el idioma no puedo insertar el documental.

http://v.youku.com/v_show/id_XMzMzMDIxODg=.html


Abuso de poder.


“Lecumberri. El palacio negro” de Arturo Ripstein. 1943.


Un documental sobre la prisión mas importante en la historia de nuestro pais.

La prisión de Belén resultaba insuficiente para la ciudad de México, que a fines del siglo XIX contaba ya con medio millón de habitantes.
En 1885 empezó a construirse una nueva prisión, en los llanos de San Lázaro, entonces periferia de la ciudad. La construcción duró 15 años y tuvo un costo de 2 y medio millones de pesos.
La penitenciaria fue inaugurada el 29 de septiembre de 1900, asistieron a la ceremonia el general Porfirio Díaz Presidente de la República y sus ministros. Al comenzar nuestro siglo la penitenciaria se consideraba el centro carcelario más moderno de America Latina.
Al Ing. Antonio Torres Torija se le encargó el proyecto arquitectónico. El diseño encomendado se basó en la ideología de los panópticos, el nombre expresa que su utilidad esencial es la facultad de ver desde un punto central todo cuanto se hace en el interior de un edificio o cárcel, y que recíprocamente desde cada celda pueda verse dicho punto central. Con ello se buscaba asegurar, arquitectónicamente, una visibilidad general de todo lo que sucedía en el interior del edificio. La penitenciaría albergó a ambos sexos hasta 1954, año en que se puso en servicio la cárcel de mujeres. Con este hecho la cárcel de Lecumberri quedó sólo para varones.
Con la evolución del sistema carcelario, Lecumberri dejó de ser funcional e insuficiente. Durante el sexenio del presidente José López Portillo (1976-1982) se inauguraron nuevos reclusorios, lo que permitió que se desalojara la cárcel de Lecumberri.
Concluye la historia del palacio negro el 27 de agosto de 1976 al ser clausurado por su ultimo director, el Dr. Sergio García Ramírez, y actualmente es sede del archivo general de la nación (AGN) donde se alberga toda la historia de nuestro país.
Se menciona muchas veces Lecumberri, muy poca gente conoce el lugar o ha tenido curiosidad por saber o investigar mas de este. Ripstein nos muestra la ultima faceta de Lecumberri como cárcel antes de convertirse en el archivo general de la nación.

En el comienzo del documental podemos ver los fallos en el diseño del sistema con los que contaba Lecumberri, dos prisioneros se han fugado de su celda cavando un hoyo con salida a la calle, a la libertad. Ripstein comienza con esta noticia evidenciando la vulnerabilidad de Lecumberri, pero conforme el documental avanza creo o al menos así lo fue para mi, fue tomando un tono mas ligero, no fue un documental pesado en el que termine pensando "pobres presos", mas bien fue informativo sobre la gente que estaba ahí y hasta cierto punto cómico con la que me parece la mejor secuencia del documental, cuando un grupo de tres hombres busca comunicarse a pesar de las limitantes que ofrece la prisión, vemos a un hombre mexicano que habla con dos hombres, uno con acento mexicano y otro con otro acento difícil de distinguir, vemos el paneo entre paisanos, pero antes de que la conversación termine, el planosecuencia nos deja descubrir a un hombre negro, un extranjero habitante de Lecumberri.

Vemos los procesos por los que los detenidos, 4 jóvenes que en todo momento se declaran inocentes,
tenían que pasar para ser presos de Lecumberri, se les toma su declaración, se toman la foto, huellas digitales, se les hace un examen medico, se les da la ropa de presos y se le explican las reglas, como funciona el sistema con comida, celdas, trabajo, escuela, castigos, privilegios, creo que el proceso por el que estos hombres pasan no cambiaba mucho, todas las personas pasaron por algo similar o por lo mismo, la llegada de los nuevos viene amenazada por lo reos que tienen mas antigüedad en la prisión, existe un líder que no es precisamente un policía y hay que respetarlo.
Hay un acercamiento con estos protagonistas de la historia, sabemos el motivo por el cual se encuentran ahí, dando paso a que también el caso de algunos otros reos sea conocido, como los presos por ideales en contra del gobierno, extranjeros o simplemente emborracharse en la calle.
Los presos no desaprovechan la oportunidad para reportar los abusos que cometen los policías contra ellos, el abuso de autoridad seguramente ya se hacia presente, las celdas son de un tamaño microscópico, pensando en que a veces tocaba hasta de a 7 reos por celda, las medidas de higiene no eran muy cuidadas por lo visto, las celdas están sucias y los castigos para limpiarlas son inhumanos, también la comida no se ve muy saludable, ademas de que en los trabajos que podían desempeñar no tenían el equipo necesario para evitar accidentes.

El resultado final del documental me parece increíble, creo que solo en México podían y pueden pasar las cosas que Ripstein nos muestra que suceden en Lecumberri, la separación de celda para extranjeros, para intelectuales, para mujeres dentro del mismo edificio, la revisión por la que tienen que pasar las esposas de los reos para ir a visitarlos, preguntando que es lo que le llevan de comer al marido obteniendo todo tipo de respuestas, el protagonismo que buscan algunos de los reos tratando de buscar salir en cámara a como de lugar.
El uso de intertitulos lo hace un poco didáctico, pero en general creo que es un documental bien realizado, bien hecho, la cámara participa con los reos, estos no parecen ser intimidados o molestados por la cámara, al contrario parece que les agrada la idea de que podamos conocer como viven, la cámara no pasa desapercibida y los reos aprovechan para hacer cualquier tipo de denuncia o solo hacerse notar.
Este documental tiene momentos que quisiera destacar, como la existencia de la feria dentro de la cárcel, creo que es un momento "solo en México" ¿en que otra prisión del mundo se puede tener acceso una feria?, también ¿que hace la bandera del Reino Unido dentro de una prisión mexicana?
Ripstein con largos planos-secuencias, nos lleva a Lecumberri, un lugar del que solo dos personas pudieron escapar y muchos siguen presos hasta la fecha aunque sea solo en sus recuerdos.

Road to Guantanamo
Documental y dramatización comercial conocido por todos, impactante para mi.



El apando es una celda de castigo metálica, negra y repugnante.
Un infierno, un espacio asfixiante en donde estar drogado es vital para seguir respirando.

Tres drogadictos presos en la cárcel de Lecumberri elaboran un plan para que la madre de uno de ellos pueda introducir droga al penal. Aunque el plan funciona temporalmente ellos son descubiertos al celebrar la operación y son encerrados en la celda de castigo denominada "El Apando" donde son humillados y torturados.
El Apando de Felipe Cazals, logró un retrato magnífico y realista del sistema carcelario en México.

Película De Felipe Cazals, escrita por José Revueltas después de haber sido encarcelado en Lecumberri acusado de alborotar a los estudiantes en 1968 por el gobierno de Díaz Ordaz.

1era parte de 7, toda se puede ver el Youtube.






“Indoctrination” Harun Farocky. 1987.


“It doesn’t matter what you think. It matters how you appear to others.” Harun Farocky

La idea principal de los cursos a los cuales estos hombres asisten es para aprender a vender lo que ofrecen, enseñando métodos para las mejoras de ventas y manipular (como solo sabe hacerlo la publicidad o la gente que que nos quiere vender un producto o servicio) a los clientes, para obtener el resultado final que es vender(se).
Los empleados que llegan a estos cursos, son las personas (la mayoría de las veces) que no están funcionando bien para la empresa para la que trabajan, las ventas no son tan buenas como las del empleado promedio o el servicio que ofrecen no lo saben vender. Llama la atención como en un documental corto la transformación de las personas se torna mas dramática, tal vez es por eso que Harun Farocki hace un documental completo en 45 minutos, ya que al comienzo de esta vemos a 5 hombres que buscan la superación, tienen ideas, proponen... pero conforme avanza el documental estos hombres se van perdiendo, no son los hombres que eran al minuto 5, se vuelven maquinas que contestan en automático, se mueven en automático, son lo que las empresas quieren que sean, personas que no piensen, que no propongan, que se mantengan en la indiferencia para así evitar problemas, finalmente se convierte en un taller para la transformación de sí.
El capitalismo no sólo exige que las personas cambien la manera en que se relacionan entre sí, deben cambiar la forma en que ellos piensan de sí mismos.
Las reflexiones que genera Indocrination en mi son varias, claro esta que somos producto del capitalismo, nos hemos enseñado a ser inútiles a ser el producto del producto, pero, ¿es lo que queremos seguir siendo? ¿Cual es el modelo correcto para trabajar, quien lo enseña donde se imparte, como los líderes y jefes de las empresas mas importantes (que al final son las que manejan los mercados y el mundo) se han preparado para guiar y servir de ejemplo a sus empleados? Farocki muestra indoctrinacion de una manera neutral, simplemente mostrando la transformación de estos sujetos, no interviniendo con ellos ni queriendo conocer mas allá de lo que ellos hablan en el curso, el director no se confronta con los empleados, simplemente observa, también vemos momentos cómicos, principalmente con la "actuación" del moderador que es una persona la cual la mayoría de las veces parecería un bufón, queriendo hacer sentir a todos cómodos, en confianza, soltando de vez en cuando una que otra bromilla para romper el hielo, provocando risas nerviosas dentro de los asistentes. La edición y duración del documental me parecen ideales, mostrando en la edición la transformación dramática en 45 minutos que estas personas sufren.
Es lo en lo que se han convertido la mayoría de las empresas Chinas, solo les importa el empleado que produce, trabaja y no piensa.

En Ficco 2007 tuve la oportunidad de ver el documental "Manufactured Landscapes" la muestra mas clara del trabajo ideal que las empresas quieren que desempeñen sus trabajadores, trabajar sin pensar, sin opinar, sin juzgar lo que la empresa o fabrica le hace en este caso al mundo.



Entrevista realizada a Farocki en su visita a la Universidad de Barcelona.




“Salesman” Albert Maysles and David Maysles. 1968.


El trabajo no tiene una definición única, para cada persona el significado de trabajo es diferente.
México siempre ha tenido un problema con este tema, lo que siempre escuchamos es no hay trabajo, no se paga bien el trabajo, se trabajan muchas horas para lo que te pagan, etc... creo que son contadas las personas en nuestro país que disfrutan su trabajo, que reciben lo justo por este y que se desempeñan óptimamente. Es privilegiada y poca la gente que trabaja en lo que le gusta.
En México el trabajador promedio trabaja básicamente para comer, vestir, cubrir necesidades basicas (dentro de estas necesidades esta una antena de Sky)... pero pocas veces se obtiene ese extra que se puede ahorrar, con el que puedes comprar algo mas, con el que puedes contar para alguna emergencia o darte algún lujo vacacionar.
Creo que ahora que mi vida laboral esta a punto de comenzar valoro mas el trabajo, a la gente que hace los trabajos que nadie quiere hacer, los trabajos pesados, cansados y menospreciados.
La idea de trabajar en si me da un poco de miedo, trabajar en algún lugar que no me guste, trabajar haciendo algo que no quiero, trabajar solo para ganar un poco de dinero para comer, trabajar para vivir, eso es lo que jamas quisiera que el trabajo se vuelva para mi.

En salesman vemos el drama por el que tienen que pasar cuatro vendedores que van de casa en casa ofreciendo una edición, clara, ilustrada y cara de la Biblia a personas que no pueden pagar tanto por un libro, tratando de convencerlas de que el producto que les están ofreciendo realmente vale la pena.
Estos vendedores muestran lo mejor de si a cada casa que van, se muestran amables, sin importar que tan cansados están, cuantas veces al día han repetido el discurso para vender, cuanto tiempo lleven buscando una casa o una calle en el trafico, cuanta gente los rechazo anteriormente, lo que quieren es vender. La gente a la que dirigen sus ventas son las personas que viven en la periferia de la ciudad, gente que no puede darse el lujo de comprar libros caros, que tiene que hacer esfuerzos para comprar algo tan caro, incluso en pagos.
Varias dudas me vienen a la mente con salesman, cuando surgieron estos empleos door-to-door, porque surgieron y porque se venden solo ciertos productos, como enciclopedias, biblias, aspiradoras, como se definió la hora adecuada para ir a vender de puerta en puerta, (podría pensarse que es todo el día, si tienen suerte encuentran a alguien en casa con tiempo para atenderlos, pero pensandolo bien la hora en la que la familia casi siempre esta en casa es en la tarde después de la hora de comida).
En salesman hubo momentos en los que veía a los vendedores como personas incomodas y no como trabajadores, los que solo buscan su beneficio sin importar la circunstancia en la que la familia se encuentra, una situación en particular por la que digo esto, fue el momento en el que uno de ellos trata convencer sobre todas las cosas a la mujer polaca, la convence de comprar la Biblia, le da opciones de pago, le habla maravillas del producto, etc... cuando te ofrecen un producto no debes angustiarte, pero la manera por como el vendedor habla con ella y los beneficios que traera para ella y su familia la hace angustiarse como si el que estuviera hablando con ella fuera alguien que le va a quitar la casa o dandole una noticia triste sobre su familia, pero también me entristece cuando a estos vendedores se les rechaza, no se les abre, o no hay para pagarles.

Cuando ellos van al hotel , es el único momento del documental en el que los veo sentirse vivos con algo tan simple como pasar tiempo en la alberca, pasar tiempo fuera del trabajo, divirtiendose, estos momentos que hacen que se conozcan de otra manera, no solamente vemos a los vendedores, también vemos a las personas que tienen una historia, que tienen trabajo y que alguien debe hacerlo, también en el hotel el momento mas intimo al que llegan los hermanos Maysles es en el que uno de los vendedores habla mas sobre su trabajo y de su vida es en el hotel, donde esta resignado a su condena a ser un trabajador de puerta en puerta para toda la vida, haciendo rico a los demás y el gana lo justo para vivir.

Los hermanos Maysles retratan la angustia por la que estos trabajadores tienen que pasar para ganar dinero, dan una muestra del cinema vérité, llevandonos a momentos íntimos dentro de la casa de las personas, las circunstancias familiares, económicas por las que estas atraviesan y retratando la manera en como los "salesman" trabajan dentro de las casas.

La cámara en mano nos acerca mas a la perspectiva que estos hombres tienen en las horas de trabajo, el movimiento de la cámara y el trabajo nómada que estos hombres desempeñan se relaciona con el movimiento, la edición juega un papel muy importante en todo el documental, lo va llevando de una manera optima, pero el momento en el cual la edición me parece perfecta es en la búsqueda de la calle, todos estos nombres de calles extranos, el momento de manejar el automóvil y como va buscando y llamando para encontrar la casa en la cual tratara de realizar otra venta.

Los trabajos que nadie o poca gente quiere hacer siempre van a existir, pero alguien tiene que hacerlos.
Dedico este pequeño reporte al señor que trabaja en el subterráneo 5 del CAD (donde se estacionan todos los coches de los estudiantes de centro), es un señor de edad avanzada, al que algunos estudiantes tratan con la punta del pie, pero que sigue sonriendo.

Un nuevo tipo de salesman, estos no tienen que ir en busca del cliente, el cliente va a ellos, ya que su punto de venta se encuentra en un elevador, en el cual estos salesman (en su mayoría estudiantes graduados de escuela de negocios) tienen el tiempo desde el piso 1 al 27 para vender.
Les dejo el link porque la Inserción esta desactivada por solicitud
http://www.youtube.com/watch?v=AzXntzRJTjg



lunes, 11 de mayo de 2009

Trabajo Ambulante!

En la semana de la influenza los trabajadores ambulantes estaban un poco alarmados, cuando me acercaba a ellos con el fin de conseguir una entrevista para mi clase de documental, la respuesta era un simple No! ahorita no puedo! o un No! que tal si tienes influenza!, la mayoria de la gente creo que no queria ser entrevistada por la facilidad del contagio hasta que un trabajador de una feria me dió la oportunidad.

A continuación la entrevista del trabajo ambulante.


viernes, 1 de mayo de 2009

Alan Resnais "Nuit et Brouillard" (1955)

El título se refiere a una práctica establecida por los nazis con la que le negaban todos los derechos establecidos en la convencion de Ginebra. Por medio del Nacht und Nebel los nazis capturaban a sus prisioneros en secreto, no se les juzgaba y se les metía en vagones sin agua ni comida, bajo condiciones sanitarias inhumanas. Este documental de Alan Resnais es un intento por narrar y darle algún sentido al exterminio de millones de personas.

La historia de como llegó a hacerse esta película es interesante pues fue encargada por dos organizaciones, El Comité de Historia de la Segunda Guerra Mundial y la Red del Recuerdo, una organización dedicada a los prisioneros de los campos. Resnais juntó a un equipo de gente, entre ellos Jean Cayrol, una escritora, sobreviviente de los campos, que escribió una collección de poemas en los que está basado el guión de la película. También en el equipo estaba Sasha Vierny, quien se convertiría en un colaborador recurrente de Resnais y más tarde de Peter Greenaway.

Es sorprendente como la película en media hora solamente dice mucho más que todos los otros documentales que se han hecho sobre el holocausto. También logra hablar de otros temas importantes como la memoria, el estudio de la historia y con mucha inteligencia cuestiona la responsabilidad del holocausto.

La película está compuesta por tomas hechas por Resnais y su equipo en los campos abandonados y de materiales de archivo de diferentes fuentes, algunos parecen haber sido filmados por los nazis, otros por los aliados al liberar el campo. Al unir estas dos partes más la voz en off, resulta una poética interesante en la que primero se hace una descripción de los campos, lo que llevó a ellos y se tocan temas más filosóficos sobre la incapacidad de representar lo que significac el trauma del holocausto. Creo que en parte una de las intenciones de Resnais es romper con esta imposibilidad de articular el trauma, ofreciendo una posibilidad de sublimación poética.

Noche y niebla sigue siendo vigente porque no es una simple descripción histórica de los hechos, que si lo hace y en su tiempo fue de las primeras películas en hablar con franqueza sobre los campos de concentración y exterminio. Esta película también es parte del género que surgiría más tarde, el cine ensayo y uno de los maestros del cine ensayo, Chris Marker tuvo que ver en su producción. Más que documentar el holocausto, esta película nos ofrece una reflexión sobre lo sucedido que va más allá de señalar culpables y enaltecer a los ganadores, en mi opinión es la mejor forma de contar la historia, pues el contar esta historia en específico es para evitar que se repita.


jueves, 30 de abril de 2009

José Luis Guerín "En Construcción" (2001)

De manera irónica este documental inicia con imágenes de destrucción, pues para mejorar el barrio, hay que hacer uno nuevo. Este proceso que Guerín retrata con un gran ojo y un cast excelente, sucede en muchas partes del mundo, se llama gentrificación. Puedo hablar de ello porque en mi natal Puebla sucedió y sucede constantemente, mi teoría es que cada vez llega más gente a Puebla proveniente del D.F. o gente de provincia que busca una ciudad, pero no tan grande y caótica como la capital.

En Puebla cuando era mi mamá era joven vivió por mucho tiempo en el barrio de Analco, un barrio entre popular, pero también había muchas residencias donde la gente tenía mayor ingreso. Poco a poco se fue deshabitando, todo se vendía baratísimo, pero nadie quería vivir ahi. Lo que hicieron fue que una inmobilaria compró todas las vecindades, aproximadamente unas 10 cuadras o más. Empezó la demolición a la que no se le veía fin. Lo que hay ahora no tiene absolutamente nada que ver con lo que alguna vez fue el antiguo barrio, uno de los más viejos de Puebla, lo que existe ahora es un centro comercial, el centro de convenciones, un hotel muy bonito y una escultura hecha por Sebastian ¨Santo Angel Custodio¨, llamada así por la iglesia del barrio.



Unos videos relacionados con la gentrificación.



Artavazd Peleshian "Vremena goda" (1975)

Las Estaciones es una de esas películas difíciles de explicar, no se puede traducir a palabras lo que vemos pues lo que Peleshian comunica lo hace como un verdadero poeta. Me puse a investigar y encontre sus otras películas y es muy bueno, todas son como el equivalente visual de poemas.

"Los Habitantes" es un poema visual sobre los habitantes del planeta tierra. Lo que hizo Peleshian en este documental fue sólo el montaje, pues está hecho con material de archivo. El resultado es genial, tiene toda una estructura que avanza gradualmente hasta un clímax. No pretende informarnos realmente sobre quienes son los habitantes de la tierra, pero nos da una impresión de lo que es vivir en este planeta.


"El Fin", como Las Estaciones está filmado por Peleshian y es un retrato, igual con mucha poesía de la vida cotidiana. En este pequeña película se demuestra una maestría para el montaje.


"Tierra de Gente" se enfoca al hombre y como ha cambiado la tierra.

Georges Franju "Le Sang des Betes" (1949)

Esta es una de las películas más difíciles de ver que he visto jamás. Pareciera como si el director se deleitara en torturar a su audiencia con esas imágenes tan terribles. Es como si Buñuel hubiera hecho una película que se tratara solo de abrir ojos, con pequeños interludios de surrealismo.

Hay poco que decir sobre esta película además de que maneja las escenas mas horribles como si se tratara de algo bello, a lo mejor hay gente que puede despegarse y examinar esta película en un nivel intelectual, pero yo creo que las intenciones del director son otras. Desde que matan al caballo casi al principio, pasando por los becerros decapitados moviendo sus patitas, hasta que acaba con las monjas llevandose la basura, esta película es una prueba para el espectador, que se ve forzado a reaccionar con risas nerviosas, pues lo que ve es demasiado dificil de asimilar.

Yo prefiero que este tipo de imágenes violentas sirvan un propósito como un documental que vi que se llama The Earthlings, en que lo que vemos es igual o peor, pero tiene como propósito crear consciencia sobre el maltrato a los animales. No lo encontré en internet, pero encontré un par de videos parecidos.



Harry Watt, Basil Wright "Night Mail". (1936)

Esta película nos muestra la utopía a la que se creía que el mundo se acercaba gracias a la tecnología moderna, en especial el tren. Había sido la primera guerra mundial, o como se le conocía en ese entonces la "guerra para terminar todas las guerras", pero también estaba a punto de empezar la segunda guerra mundial, Hitler ya gobernaba Alemania. El documental tiene un gran ritmo y nos lleva por todo el proceso de entregar el correo. Es como un himno a la eficiencia del sistema inglés, de hecho el documental fue comisionado por la General Post Office, la agencia encargada en ese entonces del correo. La voz que narra, es una voz un poco dictatorial, maneja una verdad absoluta sobre lo que estamos viendo, y yo creo que este es el punto más fuerte del documental, el tipo de realismo absoluto con el que pretende contar como funciona el correo.

Básicamente, lo que obtenemos de esta película, además de saber como funcionaba el sistema de correo inglés a principio de los 30's es un retrato de la forma de pensar de la época. Esto lo vemos por el tipo de tomas que se hacen, con un poco de influencia de Vertov, también por el tipo de narración ominisciente y finalmente y más interesante aún, el poema del final, que bien ahora puede causarnos un poco de risa, pero nos habla de una época de manifiestos, esperanza en el progreso e ideas absolutas.

Esta película es sobre los trenes durante la ocupación de Checoslovaquia.

Jayne Loader, Kevin Rafferty, Pierce Rafferty "Atomic Cafe". (1982)

Es un mérito muy grande hacer una película a partir de puras tomas hechas por alguien más, me viene a la mente "What's up tiger lilly", la prímera película de Woody Allen, un largometraje de ficción, hecho editando pedazos de otra película. Atomic Cafe se parece, pero es más valioso que la película de Woody Allen porque no solamente nos hace reir, también nos hace reflexionar sobre las mentiras que el gobierno le dice a la gente.

Un ejercicio interesante, si tuvieramos acceso a ese material (a lo mejor esta en Youtube), sería hacer un montaje con las campañas de los candidatos a la presidencia, o con cualquier programa del gobierno que no tuvo éxito. Algo así es Atomic Cafe, solo después de que el tiempo revela la verdad, las imágenes de la propaganda de la guerra fría se vuelven las mas descaradas mentiras. Lo que me parece de más valor en toda la película es que nunca hay una voz en off ni nada que nos diga que pensar, solo montaje.

Otro documental que también es de montaje, la música la hizo el guitarrista de Radiohead, Johnny Greenwood.

Jay Rosenblatt "Human Remains". (1998)

El título puede tener una doble interpretación. La primera se refiere a los restos humanos como huesos y carne que se pudre y bajo esta interpretación la película puede significar que después de todo estos dictadores también son humanos, también se mueren y se descomponen. La segunda interpretación del título se puede referir al verbo remain, al final queda el humano. Esta forma de ver el título nos lleva a pensamientos interesantes. Esta interpretación de "queda el humano" va en contra del sentido común, pues la historia se cuenta de forma contraria, las figuras históricas son todo menos humanos. Desde Hengis Khan y Napoleón hasta los personajes de esta película, lo único que no queda en los libros de historia y en las películas, es su lado humano. Esa interpretación del título me gusta pues encaja mucho mejor con lo que está haciendo Jay Rosenblatt con estos personajes.

Es hasta gracioso, como a Hitler no lo dejaron entrar a la escuela de arte, como Franco se la pasaba viendo la tele (su vida en general parece bastante gris), Mao no se lavaba los dientes, como los tigres y es probable que haya tenido enfermedades venéreas, Mussolini era bastante serio, pero también tenía sus momentos de comicidad y Stalin era también un raro. La película está muy bien lograda pues transmite una sensación de intimidad que nunca antes había visto. La convención del material donde salen los personajes en su vida diaria, con la doble voz en off me parece muy efectiva, pues en un momento llegué a creer que se trataban de entrevistas reales. Muy buena película, muy inteligente y de gran interés.


Un video sobre la muerte de Goebbels, otro personaje interesante.



Eyal Sivan "Un Specialiste". (1999)

Siempre un jucio es una buena oportunidad para el drama, en el caso de esta película, aunque en los momentos iniciales se intenta hacer un drama sobre el monstruo Eichmann, no hay drama. No hay drama porque el crimen que se cometió, genocidio, amerita un criminal más imponente, grande, con una mirada terrible, un gritón o algo por el estilo. En lugar de eso, se nos ofrece un hombrecillo que a lo mucho es raro y no muestra ningún tipo de remordimiento sobre los crímenes de los que se le acusa.

En lugar del fanático antisemita que los judíos y el público en general espera, Eichmann es un burócrata más o menos normal, que al parecer solo hizo muy bien su trabajo. Esto nos hace preguntarnos, y yo creo que esto es lo más importante de esta película, que habríamos hecho nosotros en su lugar. Eichmann solamente estaba obedeciendo órdenes, estaba siguiendo las leyes de su país, si los nazis hubieran ganado la guerra, Eichmann nunca hubiera sido considerado un criminal, a los ojos de su gente Eichmann era un hombre eficiente y trabajador.


Las consecuencias de este pensamiento se vuelven imposibles porque la sociedad alemana entera tendría que estar sentada en el banquillo de los acusados. Lo que nos demuestra esta película es que siempre hay intereses en la justicia y para que funcione adecuadamente el sistema se tiene que encontrar un culpable, aunque sea simbólico. ¿Qué tal si el eje hubiera ganado la guerra? No sería tan difícil imaginarse a los científicos que hicieron la bomba atómica siendo juzgados, a los generales que ordenaron la destrucción de ciudades enteras en Alemania. El Especialista es más que una película de un juicio, es un documento donde se presenta de forma clara que la historia la escriben los vencedores.


Un video sobre los juicios de Nuremberg, que siguen siendo controversiales.

Trinh T. Minh-ha "Reassemblage". (1983)

Después de 60 años desde Nanook, finalmente llega alguien que se cuestiona la validez de este tipo de películas donde se pretende retratar al "extraño". Cuantos documentales no se han hecho desde Flaherty donde nos muestran como viven los arborígenes de tantos lados del mundo, sus bizarros hábitos alimenticios, sus jerarquías sociales desorganizadas, sus ceremonias religiosas primitivas. Todas estas películas parece que sirven un solo propósito, satisfacer al hombre blanco occidental, confirmar sus creencias sobre otras culturas, hacerle sentir bien por llevar la civilización a todos los rincones del mundo.

Para Trihn T. Minh-ha, estos documentales etnográficos son tan perversos como los colonizadores que se impusieron alguna vez sobre esta gente. Por eso Reassemblage no puede ser una película convencional, con un voice over que nos dicte lo que vemos. Reasemblage no está hecha para cumplir con las espectativas de la audiencia, no es una película cómoda ni fácil, si fuera así estaría traicionándose a si misma. Creo que la dificultad de entenderla se refiere a la realidad de las diferentes culturas del mundo, no pueden ser entendidas en la simplificada forma que se nos presenta en la televisión comercial, en el National Geographic.


Un clásico video etnográfico


Dennis O' Rourke "Cannibal Tours". (1988)

El turismo es algo que muchos de nosotros practicamos, aún en nuestra misma ciudad, hay veces que nos comportamos como turistas. Ser un turista, en apariencia, es algo inocente que no daña a nadie, es más, los turistas muchas veces compran artesanías, ayudando a la gente del lugar. Dennis O' Rourke nos ofrece en su documental Cannibal Tours una crítica del turismo que es tan fuerte que va más allá del turismo y se convierte en una crítica sobre la sociedad occidental.

En Cannibal Tours se hace énfasis en el poder y la ignorancia de los turistas, y también en la impotencia y falta de comprensión o capacidad para entender las implicaciones de lo que está pasando de los nativos. Lo que me parece más tremendo de todo este asunto, es que han pasado 20 años desde que O'Rourke filmó a estas personas y en muchos lugares del mundo el turismo ha crecido. La única forma que tiene O'Rourke de hacer su punto válido es mostrando el enorme contraste entre gentes y la aparente inevitabilidad de lo que vemos.


Y sobre llamar aparente a esta inevitabilidad tengo mis dudas, pues todo lo que vemos es el resultado de las prácticas económicas de los países desarrollados, y de un capitalismo que muchas veces es más salvaje que los mismos nativos. El turismo termina siendo el último clavo en el ataud de la diversidad cultural, y lo que queda? Escenificación, simulación, reinterpretación, chácharas, e historias de pueblos que se acomodan para satisfacer las espectativas de los que pagan por escucharlas.


Este video es un slideshow animado por parte de una turista que fue a Bali.




El video por si mismo no tiene ningún valor, pero en el contexto de Cannibal Tours, nos habla de lo que está sucediendo en estos días. También chequen los comentarios en youtube, son como si fueran personajes de la película.

Robert Flaherty "Nanook of the North" (1922)

Es un trabajo de documental que tiene varios valores importantes. Primero, la documentación de los Inuit que vivieron cerca de la bahía Hudson en Canadá, por la que se le considera el primer documental largometraje. En segundo lugar, el desarrollo del lenguaje cinematográfico, la forma en que está filmada esta película nos hace pensar en un lenguaje cinematográfico bastante avanzado, muchas veces equivalente a documentales contemporáneos. Y por último y lo que yo creo más importante, es un plano maestro de como hacer documentales etnográficos, muy poco de lo que vemos en pantalla y sabemos sucedió detrás de cámaras es cuestionable en un sentido ético y siempre sirve el propósito de mostrarnos a otra gente, otras costubres, otra cultura.

Se le ha criticado a Flaherty por inventar algunas cosas, por ejemplo la caza ya se hacía con rifles en esa época y en el documental salen los Inuit haciendolo en la forma tradicional, también se critica que la esposa de Nanook no es la verdadera, Flaherty escogió una más fotogénica, y además de todo esto Nanook ni siquiera se llamaba Nanook. Lo que hay que notar aquí, es que esta es una película que sentó las bases para muchos otros documentales y lo hizo bastante bien, también que estas críticas suenan como una crítica venida desde el cinema verité, un tipo de cine que en la época de Flaherty no existía y seguramente nunca habría existido de no ser por esta película.

Les dejo un pedazo de otra película de Robert Flaherty, Hombres de Aran de 1933.

martes, 24 de febrero de 2009

Chris Marker "Sans Soleil" (1983)

Chris Marker se mantiene enigmático.

"Sans Soleil" es un sinónimo de sinceridad, en nuestro vivir diario todos podríamos escribir cartas a nuestras familias a nuestros amigos a las personas incluso con las que convivimos diario, una carta es un medio con el que nos podemos sincerar de una forma muy distinta a la verbal y el documental busca la verdad, como resultando dando una doble dosis de sinceridad.
Las cartas que recibe la mujer de su amigo el viajero, parece ser que son muy detalladas y reflexivas, se involucran profundamente con el entorno, con la gente, con los mitos, tradiciones y con el país mostrando así las verdades que un viajero quiere compartir con la receptora de estas.

Es un documental complejo que nos enseña las reflexiones que Chris Marker se hace, mostrando su lado menos enigmático, presente en las palabras de la narradora haciendo un complemento con las imágenes que él fue registrando, dejando fuera lo que a él no le parece importante o simplemente no quiere mostrar como alguna opinión de los personajes en su documental, tomando en cuenta solo como referencia su punto de vista de los lugares y personas, es un documental muy personal, siendo él la persona que escribe las cartas y la que las recibe.

La perspectiva de "Sans Solei" es muy general en cuanto a la cultura, como un turista que pasea y registra lo que a él le gusta mas, no se involucra demasiado porque sabe que en ese lugar esta de paso solamente, en un momento temporal, haciendo notar algunos detalles que para el autor son importantes o tienen cierta relevancia, algo que le llama la atención, así como nosotros cuando contamos algo que nos ha gustado mas, o que nos interesó.

La primera imagen es también la del final, todo regresa, siendo la forma en como nosotros vemos este documental como un espiral, un orden complejo, la manera en como una receptora de muchas cartas las lee, vuelve a una en particular, se acuerda de algo, o simplemente reafirma para imaginarse lo leído, reitera los temas toma uno y vuelve otra vez.
Existe un contraste primeramente entre las culturas principales del documental, el tiempo de registro de una cultura y otra, primero cual se filmó?, me pregunto si esto tiene relevancia ya que se intercalan las imágenes haciendo notar mas las diferencias y similitudes que tienen las culturas, las formas de pensar, los hábitos, los hombres...
La voz en off es la convención que mas utiliza, regresando de nuevo al misterio Chris Marker, parece que tampoco quiere que el público sepa como suena su voz, es por eso que cambia completamente al receptor de estas cartas, se vuelve una mujer que nos va llevando y narrando sin involucrarse con las cartas o sea con el documental.
Sobre el origen de las imágenes de ¨Sans Soleil¨, pensaría son todas registradas por él mismo, aunque también se apoya de imágenes de archivo como en el caso de la muerte de la jirafa, que había visto ya en alguna película antes.
Lo imagino como una persona que pasea por una ciudad (que no es la suya) con su cámara lista para captar algún detalle que le llame mas la atención, cámara en mano en todo momento, esperando o buscando lo espontáneo de la realidad, dando esto un motivo para la iluminación natural, la subexposición o sobrexposición de las imágenes es así por el momento en que fueron tomadas.

La edición no es lineal ni narrativa, dandonos la libertad de conectar las imágenes al gusto de cada espectador, valiendose de la narración de la receptora de cartas como guía para no terminar tan confundidos. Se intenta mantener el sonido original de el momento en que se registra la imagen, aunque a veces este sea interrumpido por la narradora.

El realizador nos cuenta en ¨Sans Soleil¨ las reflexiones que tiene un hombre cuando esta lejos de casa, que es lo que cambia y lo que lo cambia, cuales son sus verdaderas preocupaciones, sus verdaderos afectos y valores, que lo hace valer en un lugar en el que no es el suyo, estar lejos de casa cambia la perspectiva de nosotros, de nuestro entorno y vida, nos hace fuertes nos enseña de lo que somos capaces y a lo que nos atrevemos.

Chris Marker nunca aparece en sus películas, no da entrevistas y tiene muy pocas fotografías, se mantiene misterioso y como lo había ya antes mencionado mantiene esa linea con esta película también, él escribe las cartas y el las recibe pero deja que alguien mas hable por él.

La relevancia cultural y social de ¨ Sans Soleil ¨ es enorme, expresa, poetiza, experimenta y reflexiona, ademas de ser considerado el primer ensayo filmico de la historia.

Las imágenes liberan.


Si no ven la felicidad de la imagen al menos verán la parte más negra.



Johan Grimonprez "Dial H-I-S-T-O-R-Y". (1998)





En los ultimos anos la ciencia y tecnología han avanzado aceleradamente.

No nos detenemos a ver como estas han hecho la vida del hombre mejor, como nuestra vida ha cambiado, desde cosas muy simples como llegar a nuestra casa prender la luz, utilizarla y a veces gastarla, pero cuando nos falta toda nuestra vida se complica. Podría mencionar mas ejemplos de como es que la manera de vivir de los hombres se ha acoplado a ellas, el uso del celular, escuchar aviones pasar a muy baja altura por nuestra ciudad, o simplemente el medio de transporte que utilizamos diario, estamos ya habituados a estos avances que la creación de estos inventos sin saber si el propósito de su creación era bueno o malo, en Dial History se hace un montaje de diversos eventos importantes con imágenes de archivo, principalmente de secuestros aéreos realizados en los anos 70's, sin llegar a una respuesta el documental nos muestra las opiniones de diversas personas a cargo del caso o con algún tipo de poder, dando opiniones en las que culpan principalmente a la ciencia, tecnología y escritores de la creación de sus obras e inventos, "Sin la existencia de aviones no existirían los secuestros".

Las entrevistas realizadas a la gente que sufrió estos ataques son patéticas, lo que se espera es una reacción de pánico, cuando lo que vemos son bellas aeromozas vistiendo uniformes coloridos o gente muy relajada, contando una historia de lo mas habitual y normal, es acaso que nos hemos acostumbrado a la violencia o al miedo que hemos visto sobre todo en imágenes.

La manera en como vemos Dial History, parecería cualquier día frente al televisor, cambiando al azar de canal, hace inserciones de diversas imágenes, tiene un tema central, pero lo acompañan otros, la música para el montaje para mi esta puesta como una sátira al ver una imagen tan violenta como la caída de un avión con una canción alegre.

Los ataques a las Torres Gemelas (tres años después de la realización de este documental) ha cautivado nuestra atención por días o años, haciendonos rehenes de los medios de comunicación y de todas las imágenes que se nos han difundido desde aquel día por todo este tiempo.


Edificios. (Tarea)



Inspirandome en la película de "Cascade Vertical Landscape" y "Regen" grabé algunos de los edificios de esta ciudad, solo edificios en blanco y negro.
Creo que cuando se piensa en México en general, se piensa en folckore, fiesta, colores, gente alegre, tomando esto como referencia grabe estos edificios en blanco y negro, sin gente, sin vida.
Ojalá que cuando se vea mi video no se piense en Ciudad de México.

Carole Ann Klonarides y Michael Owen. "Cascade Vertical Landscape". (1988)

http://www.vdb.org/smackn.acgi$tapedetail?CASCADEVER

Realizado con la colaboración de Dike Blair y Dan Graham.
Una particular y original forma de mostrarnos la arquitectura de una ciudad.
Objetos que caen mientras los edificios que se muestran nos hablan de el surgimiento de movimientos y culturas nacientes, particularmente de la pop.

Bert Haanstra "Zoo". (1961)



Desde el inicio de este documental con el sonido del rugido del león y la primera toma de un cachorro, se nos da la idea del tono o la historia que quiere contar, algo sencillo, divertido, ya no la de un proceso como pasa con Glas, que esta perfectamente contada, mas bien una rutina para los animales, un día de descanso, conocimiento y recreación para la gente, un día común en el zoológico.
Zoo es un documental narrativo, vemos a las primeras personas que entran en el zoológico, niños emocionados, ancianos, jóvenes y adultos dirigiendose a las jaulas donde están los animales y observar su comportamiento, como comen y que es lo que hacen, la admiración y sorpresa que genera en el publico, interactuando así una entre animal y hombre o entre animal y animal pensante.
La edición de las imágenes intercaladas entre personas y animales, hacen una comparación de estos, que tan parecidos son visualmente, en su ropa, en sus gestos o en comportamiento, realizando un documental divertido. En ocasiones me parece que son los animales los que se entretienen viendo al publico que los visita y no al contrario, la música de Wim Huender hace un acompañamiento exacto y perfecto.
Los animales y hombres son iguales.

Bert Haanstra "Glas". (1958)



Glas es un documental en el que vemos una de las tantas formas de fabricación del vidrio.
Esta actividad de tradición toma nueva vida y ritmo de acuerdo a la manera en como Bert Haanstra realiza el documental, haciendo un montaje en el que la música y la imagen estas sincronizadas.
Existe una clara explicación de como es la fabricación del vidrio por hombres y por maquinas, las diferencias obvias y la distinción de una artesanía.
Wim Huender es el sonidista de Glas y Zoo, ayuda a la narración de los documentales, la mezcla de ritmos en los puntos exactos me hace pensar que eran buen equipo, proponen, se entienden.

Martin Arnold



"As we watch a film, the continuous act of recognition in wich we are involved is like a strip of memory unrolling beneath the images of the film itself, to form the invisible underlayer of an implicit double exposure." Maya Deren

En la primera parte de la película, al principio parece que no se completa toda una acción o un simple movimiento, pero conforme va avanzando, nos muestra una coreografía, un juego de posición de la imagen, muy bien logrados gracias la la edición.
Con estas películas Martin Arnold ademas de innovar, hace una critica al cine de Hollywood como el mismo lo dice, se apropia de un material y lo altera de una manera única.
Maestro de la edición.

"The cinema of Hollywood is a cinema of exclusion, reduction and denial, a cinema of repression. There is always something behind that which is being represented, which was not represented. And it is exactly that that is most interesting to consider." Martin Arnold

lunes, 23 de febrero de 2009

Paul Strand "Manhatta". (1921)



En ¨Manhatta¨ el fotógrafo y cineasta Paul Strand nos retrata la ciudad que recibió a él y a su familia, donde el creció, estudió y trabajo.
Retrata la manera de como él percibe el crecimiento y desarrollo de Manhattan, con trabajadores, maquinas, monumentales edificios que muestran la grandeza y el poder que tendrá la ciudad, manteniendo a la ciudad como su personaje principal.
Haciendo una comparación con el documental ¨Regen¨ de Joris Ivens se nos muestra una ciudad a través del agua, sin destacar sus principales atractivos turísticos, su particular arquitectura o sin ni siquiera saber que es Amsterdam, caso que con "Manhatta" es todo lo contrario, New York se nos ha mostrado (al menos en mi caso) siempre de esa manera imponente, poderosa, etc...

El montaje de la música con la imágenes me parece el adecuado muy mecánico.


Nota: El usuario que amablemente subió este video lo nombró ¨Manhattan¨, no ¨Manhatta¨ que es nombre correcto.